NUEVA FECHA: 11 Y 12 DE NOVIEMBRE

El cambio de paradigma en el circuito y campo artístico actual, propone y exige mayor participación y profesionalismo de los artistas, que actúan como los propios gestores culturales de su producción.

Las exposiciones se han convertido hoy en el medio por excelencia para dar a conocer el arte contemporáneo, desplazando a los artículos en periódicos, los libros académicos y otras instancias de un pasado no muy lejano. Las exposiciones son el sitio primario del cambio en la economía política del arte, donde el propio significado es construido, mantenido y de vez en cuando deconstruido. En parte espectáculo, en parte acontecimiento socio-histórico, en parte que dispositivo estructural, las exposiciones— sobre todo las exposiciones de arte contemporáneo- establecen arte y administran el sentido cultural del arte actual.

En un sentido que ya desborda la práctica militar, lo estratégico y táctico nos puede servir para pensar el desarrollo de este taller. La estrategia responde a la pregunta sobre qué debe hacerse en una determinada situación. La táctica contesta a la pregunta de cómo llevamos a cabo nuestros planes e ideas.

El presente taller aportará las herramientas imprescindibles para sistematizar, organizar y producir una estrategia sostenida de difusión y circulación de la propia obra, según los objetivos de cada artista. Cada clase abordará las tácticas concretas a desarrollara para lograr los objetivos que cada uno se proponga.

Durante la cursada se atenderán los aspectos que atraviesa necesariamente toda comunicación y presentación de obra: (táctica I) llegar con éxito a los espacios expositivos, (táctica II) construir un discurso efectivo sobre la propia obra y (táctica III) diseñar un portfolio que represente de manera práctica el trabajo del artista.

Al finalizar el taller, los concurrentes contarán con un portfolio y otros materiales profesionales de presentación a galerías, concursos, residencias, etc. Este material se irá destilando clase a clase, construyendo con las tareas que les asignemos y con el trabajo y altas cuotas de compromiso por parte de cada tallerista.

CARGA HORARIA

La duración del taller intesivo es de dos días consecutivos (viernes 11/11 y sábado 12/11) de 10:00 a 14:00hs
(con desayuno incluído y una hora libre para almorzar)

Se entregará un cuadernillo con material bibliográfico y de consulta.

Dictado por las Lic. en Museología María Lightowler y Lic. en Artes Mariana Rodríguez Iglesias, se trata de un curso breve e introductorio, que otorga a los asistentes las herramientas básicas para profesionalizar su actividad, así como el pensamiento en torno a esta, y luego profundizar los temas tratados.

FECHAS Y HORARIOS

viernes 11 y sábado 12 de noviembre de 10.00 a 14:00 hs.

Sede: Central de Proyectos. Avenida Santa Fe 2729. Local 37. *arriba*, entre Anchorena y Laprida (Colectivos 152, 12, 37, 39 – Subte Línea D. Estación Agüero).

INSCRIPCIÓN

Los interesados en participar de éste curso, deberán enviar a formación@centraldeproyectos.net un dossier conteniendo:

*Currículum Vitae narrado

*Entre 7 y 10 imágenes de obras recientes, con los datos técnicos

*Statement  justificando el interés en participar

A fin de ser evaluado por las profesoras. Este material además, será utilizado durante el taller como parte del material de trabajo.

Se entregará un cuadernillo con material bibliográfico y de consulta.

COSTOS Y FORMAS DE PAGO

Costo:

El precio del taller intensivo es de $350.

Formas de pago:

//Efectivo en Central de Proyectos o a través de depósito o transferencia bancaria

//Tarjeta de crédito a través de DineroMail. Una cuota sin intereses y hasta tres cuotas con interés (no se aplican promociones ni descuentos en el caso de abonar con tarjeta de crédito).

Más información en  (5411) 4827.0858 | formación@centraldeproyectos.net | www.centraldeproyectos.net

COMENTARIOS DE TRES ALUMNOS DEL TALLER en su versión 2010

Susana Munay, artista plástica, nos envía unos comentarios a modo de feedback sobre lo que fue su experiencia en el taller.

“Maria y Mariana:
Mi experiencia con el taller es sumamente positiva, desde varios aspectos.
En principio me acercó a las posibilidades que existen en el mercado, me
abrió un panorama de como se manejan las galerías y me orientó donde buscar opciones nuevas.
Pero lo que más he aprovechado fue el acercamiento a mi propia obra desde los textos. Me condujo a la obligación de pensar sobre ella y a conceptualizarla desde diferentes aspectos.

El material de apoyo tambien es de destacar.
Lo recomendaria , como lo he hecho ya, por esto ultimo que les comento.
Por otro lado vuelvo a recalcar que me resultaron cortas las clases, tal vez
media hora mas sea suficiente.
Un beso grande a las dos.” (2 de mayo de 2011)

Rodolfo S. escribe en un mail: “disfruté todas y cada una de las clases. true [...] (recomiendo el curso) a cualquier artista visual, inclusive a los que ya exponen“

Silvina dijo:  “[...] Me parece que nos aportaron ideas muy claras y super realizables, para poner en funcionamiento a la brevedad.
Está buenísimo que ojos y cabezas experimentadas nos puedan asesorar, dar una mano, avalar, y hasta empujar a seguir con un proyecto al que le tenemos muchísimo cariño.
Gracias por todo esto, y por dictar un curso tan bueno, claro y útil. Lo que ustedes aportaron en estas clases es información que DEBE circular! Que se venga la parte 2!“

Guadalupe comentó: “Quería escribirles este mail para darle las gracias por el taller y que sepan que lo disfruté mucho y me ha ayudado un montón.
Ahora a trabajar y lograr cosas.
Me gustó mucho la energía y buena onda de las dos [...]“

Constanza Pini, pintora de tiempo completo, nos envía el siguiente mail en agradecimiento a la experiencia en el taller:

Queridas María y Mariana: [...] creo que me ayudo mucho. No tanto a la difusión de mi obra (lugares y datos) sino mas bien a un análisis escrito de mi obra. A mirarla con ojos críticos. En mi caso particular, lo que mas me sirvo fue esto de la crítica y al verla aplicada logré cumplir otros objetivos que no me había planteado al principio. Lo recomendaría a todos los artistas que no saben como armar un porfolio ni como dirigirse a una galería ya que yo salí mucho mas segura en ese sentido. Me parecieron geniales todos los textos y links que nos fueron mandando clase a clase. Un gran apoyo al curso. Y siendo sincera les comento que al principio, la primera clase, me sentí un poco desorientada. No sabía si era el curso que yo estaba buscando ni si iban a poder proporcionarme lo que yo necesitaba. Obviamente todo esto se borro enseguida ya que ahora lo súper recomendaría. Muchísimas gracias nuevamente por todo, Connie Pini

Gracias por tanta sinceridad, todo suma y estamos haciendo que el taller crezca entre todos, edición tras edición.

Por supuesto, nosotras también recomendamos mucho a Connie, quien además dicta clases de pintura… y por lo que pudimos ver en el taller, debe ser un placer asistir a sus clases.

Aquí su blog [no dejen de visitar la pestaña obras]

Susana Munay, artista plástica, nos acaba de enviar unos comentarios a modo de feedback sobre lo que fue su experiencia en el taller.

Maria y Mariana:
Mi experiencia con el taller es sumamente positiva, desde varios aspectos.
En principio me acercó a las posibilidades que existen en el mercado, me
abrió un panorama de como se manejan las galerías y me orientó donde buscar opciones nuevas.
Pero lo que más he aprovechado fue el acercamiento a mi propia obra desde los textos. Me condujo a la obligación de pensar sobre ella y a conceptualizarla desde diferentes aspectos.

El material de apoyo tambien es de destacar.
Lo recomendaria , como lo he hecho ya, por esto ultimo que les comento.
Por otro lado vuelvo a recalcar que me resultaron cortas las clases, tal vez
media hora mas sea suficiente.
Un beso grande a las dos.

Gracias por tus palabras de aliento, Susana.
[visiten su página web y su blog. Su obra abstracta es un tejido único de concepto, textura y color]

Quiero destacar una fracesita tirada como al pasar en el último encuentro, pero que nos quedó rebotando por su significado. Susana comenta que el trabajo del artista suele ser muy solitario. Se la pasa horas en el taller, trabajando sobre su obra, inclinado sobre el papel o muy cerca del lienzo, en su mundo. Solo. Por eso, estos talleres son tan importantes, porque -según Susana- es la oportunidad de encontrarse con otros en la misma que uno, con inquietudes similares, dudas afines y la posibilidad de generar una red de contactos y contención.
Nos despedimos, recordándoles que sigue abierta la inscripción al próximo taller de Gestión para Artistas Visuales.

CLIK AQUI para + info.

DÍAS: martes 10, 17, 24, 31 de mayo y 7 y 14 de junio

HORARIO: 10.30 a 12 horas

COSTO: $550 curso completo  (seguí leyendo para informarte de la beca del 100%)

LUGAR: Central de Proyectos. Arte actual. Av. Santa Fe 2729 Local 37 *arriba*, Ciudad de Buenos Aires

BECA DEL 100% > por única vez, otorgamos una beca del 100% para 1 (un) artista interesado en participar y que demuestre por email la necesidad de la misma. Junto al dossier que pedimos para la inscripción, enviarnos un mail con la solicitud de la beca y su justificación.

INSCRIPCIÓN

1. Los interesados en participar de éste curso, deberán enviar a info@centraldeproyectos.net un dossier conteniendo: Currículum Vitae narrado
2. Entre 7 y 10 imágenes de obras recientes, con los datos técnicos
3. Statement  justificando el interés en participar.

Más información en www.centraldeproyectos.net | (5411) 4827.0858 | http://www.facebook.com/artholicos.anonimos

A presentar proyectos para una muestra de video instalaciones que se realizará en la cede Itaú cultural el día 17 de agosto de 2011.

Esta  nueva  edición de  NVA  tiene como objetivo mostrar obras que pongan en juego los lenguajes del  video  en  su forma  expandida, manifestaciones  que  integren   su   imágen  a  propuestas  espaciales, objetuales o performáticas.  Trabajos  que  abandonen  el  carácter  del  video  monocanal en pos de la experimentación   y   cruces   con   otras   disciplinas   y   especialidades:   Video  expandido,   video  3D,  proyecciones  sobre   formatos   no  tradicionales,  otras  maneras  de  visualización  y  experimentación
del video, trabajos interactivos, video performance, video objeto, etc.

Los trabajos a presentar deberán ser inéditos.

Los  proyectos  deberán enviarse  hasta  el 20 de  mayo  en formato pdf con links a videos en youtube / vimeo a la dirección de correo electrónico nuevovideoargentino@gmail.com

Presentación:

. Descripción del Proyecto
. Necesidades técnicas y presupuesto
. 5 imágenes de obras anteriores
. CV abreviado

NVA (Nuevo Video Argentino)

NVA es un emprendimiento encabezado por Mónica Heller, Luciana Lamothe, Florencia Levy, Guido Yannitto  y  Estanislao Florido   que  tiene  por  objeto  agrupar, promover y difundir las producciones del video en Argentina.
http://www.facebook.com/ItauCulturalArg?sk=photos
http://www.facebook.com/pages/Nuevo-Video-Argentino/139957762742018#!/pages/Nuevo-Video-Argentino/139957762742018?sk=wall

Hay tiempo hasta el 15 de junio de 2011 (inclusive)
LAS BASES DESCARGALAS AQUI

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consejos que se escuchan en los pasillos de Universidad Callejera de la Economía Creativa…
[es sólo un extracto, para más info... estar atentos a la tercera edición del curso: Gestión en Artes Visuales 2011]

*Inventarse a uno mismo: crear un racimo único de talentos personales. [...] Abandonar la escuela antes, si eso se quiere, pero nunca dejar de aprender. Bailar si nadie está mirando. Romper las reglas.
*Poner la prioridad en ideas, no en la información: Crear y hacer crecer tu propia imaginación creativa. Construir la propia hoja de balance de nuestro capital intelectual. [...]

*Ser nómade: Los nómades están “en casa” en cada país. Podés elegir tus propios caminos y medios de viaje, y elegir cuanto tiempo vas a quedarte. Ser nómade no significa estar solo; la mayoría de los nómades viajan en grupo, sobre todo de noche. [...] Los nómades aprecian el desierto y el oasis en la misma medida; asimismo, los creativos necesitan ambas soledad y multitud, pensar solos y trabajar juntos.

*Definite por tus propias actividades (del pensamiento): no por el (trabajo) título que alguien más te dio. [...]

*Aprender infinitamente: Tomar prestado. Innovar. Usar lo retro, la reinvención, el revival. [...] Arriesgate y hacé cosas innecesarias.

*Explota la fama y la celebridad: sus costos de producción son bajos relativamente fijos. [...] La esencia de ser una estrella, como juiciosamente expresa David Bowie, es “la habilidad para hacerse uno mismo tan fascinante a los otros como los es para uno mismo”. [...]

*Trata lo virtual como real y viceversa: el ciberespacio es meramente otra realidad  en la vida cotidiana. No juzgues “la realidad” por basarse en cierta tecnología, sino por asuntos más importantes y eternos tales como la verdad y la humanidad que hay en ella. La banda ancha es inútil sin un mensaje, sin una comunicación. [...]

*Se amable: la amabilidad es un signo de éxito. [...]

*Admira el éxito, abiertamente: [...]Al mismo tiempo, no quedes pegado al éxito: sé curioso sobre los fracasos. Las personas creativas son tan estrictos con sus propios éxitos y fracasos porque quieren aprender de ellos. Nunca vas a ganar si no podés perder.

*Se muy ambicioso: (* aquí el texto original dice simplemente: boldly go. De manera literal, esto significa “ir audazmente”; pero también, está haciendo referencia al texto que locutado por William Shatner en cada apertura de los capítulos de Star Treck, el cual es popularmente recordado por su frase inicial: ‘Where no man has gone before’ / “Donde ningún hombre ha ido antes”).

*Divertite: [...] La gente que se disfruta así misma no sólo son más felices sino que la alcanzan cada vez más, más rápido. Sobre todo, no te preocupes; Tom Wehr, del Instituto Nacional de Saludo Mental de Maryland, dice que el cerebro durmiente encuentra la solución la noche anterior al día señalado como una ‘fábrica de preocupación creativa’ (creative worry factory). Alimentala.

Y al escribir estas diez reglas del éxito en economía creativa, no te preocupes si terminas con once. Se pueden romper las propias reglas.

Este taller tuvo mucho de los juegos de rol… ponerse en el lugar del otro para entender lo que nos está pidiendo y lograr una eficiente comunicación.

Entre estos cambios de roles que propusimos, uno fue el de la crítica.
Si vamos a pedir que escriban una crítica de nuestra obra, es interesante prácticar la disciplina un poco…

Con uds, una selección de textos críticos redactados por los alumnos del curso.
Disfrútelo!

cualquier semejanza con el sistema del arte… no es pura coincidencia.

Jorge Sepúlveda, en su seminario-taller sobre teoría y crítica de arte como arma de destrucción masiva, rodea una idea, la acorrala y luego te la tira -como en el ya clásico juego del quemado- “atajala, devolvela o que te queme vivo”: la obra de arte es una fábula… y toda fábula, necesita confabulación.

Aquel, es un comentario de índole práctico, al cual le siguen -o debería seguirle- una serie de preguntas en torno a las acciones y relatos que vemos en otros, en la prensa, en las galerías y demás agentes; pero también, y para los más autcríticos, preguntas sobre la propia praxis.

Confabulación, no es algo malo (lo aclaramos, porque suena maquiavelicamente a trampa). Confabulación, es aura. Confabulación, es imagen. Confabulación, es relato, mito y realidad (desde que sabemos que algo como lo “real” no existe, sino que se construye). Y si lo que estamos buscando es insertarnos en esta realidad, sea la del mundo de las exposiciones, o sea cual sea, tenemos que participar de sus reglas.

En este curso, perseguimos esas reglas, pretendemos hacerlas lo más explícitas posibles, buscamos dar las herramientas para participar con y en ellas, modificarlas o criticarlas con propuestas…

[es una historieta de Quino, publicada en Déjeme inventar, de Ediciones de la Flor, originalmente en 1983... rescatada del olvido, este fin de semana mientras hacía orden entre mis libros heredados]

Arthur Danto (extracto de La trasnfiguración del lugar común)

[...] Supongo que podría ser Duchamp el primero que sentó el precedente histórico y artístico, y llevo a cabo el sutil milagro de transformar en obras de arte los objetos banales del mundo (Lebenswelt) cotidiano: un peine, un botellero, una rueda de bicicleta, un urinario. Situando estos objetos poco edificantes a una cierta distancia estética es posible apreciar sus acciones, entendiéndolos como candidatos improbables al goce estético: demostraciones practicas de que la belleza se puede encontrar en los sitios mas improbables.

Se puede ver a Duchamp en estos términos, pero semejante visión no seria sino un comentario de laboratorio, tal interpretación deja en la mas absoluta oscuridad la pregunta de como tales objetos consiguen ser obras de arte, ya que todo lo que se habría demostrado es que poseen una dimensión estética imprevisible. Por lo tanto, era necesario empezar desde el principio, cuando los objetos transfigurados estaban sumergidos en la banalidad que su potencial para la contemplación estética permanecía bajo vigilancia incluso después de la metamorfosis. De esta forma, la pregunta sobre qué los hacia ser obras de arte se podría abordar sin tener en cuanta ningún tipo de consideración estética. Creo que esta ha sido la aportación del pop art de Andy Warhol.

Recuerdo la embriaguez filosófica que sobrevivió al rechazo estético de su exposición de 1964, en lo que entonces era la Stable Gallery, en la calle 74 este, donde los facsímiles de los envases de brillo se apilaban unos sobre otros. Salvo por algunos comentario por lo bajo sin importancia, la Brillo Box fue aceptada inmediatamente como arte; pero la pregunta se agravo aun mas: ¿por qué la cajas de Brillo de Warhol eran obras de arte, mientras que sus banales homólogos, en las tiendas, no lo eran?. Por supuesto había claras diferencias: las de Warhol estaban hechas de madera enchapada y las otras de cartón. Pero incluso si esto hubiera sido al contrario, filosóficamente todo hubiera permanecido inalterado, dejando axial la opción de que ninguna diferencia material distinga la obra de arte del objeto real.

Ya que alguna definición de arte debe acompañar a las cajas de Brillo, es evidente que tal definición no puede basarse en un examen de las obras de arte. Las cajas de Warhol hacen incluso de esta presunta indefinición un problema, ya que tanto se parece a lo que por común acuerdo no son obras de arte e irónicamente hacen urgente el tema de la definición [...]

Las fotos que acompañan este fragmento de texto son:

-Fuente de Marcel Duchamp, 1917
-Brillo Box, Andy Warhol, 1964
-Contenido y Forma, Emiliano Miliyo, c. 2001